Loca People (What the F**k). 6 banderolas de tela cosida.. 93 x 59 cm. c/u. 2016.

Loca People (What the Fuck!) es una canción techno del DJ español Sak Noël. Esta canción es un canto a la celebración, al hedonismo, a la libertad sin responsabilidad. En cierto sentido, algunos de los elementos que han caracterizado cierta actividad de la isla durante décadas. La intención del artista es crear un diálogo entre dos culturas y tradiciones opuestas en un espacio limitado y reducido como el de Ibiza. Un mundo en peligro de extinción que se refiere a la manufactura textil, y otro, como la música electrónica, que dicta la poderosa industria del ocio. Poulain utiliza los banners para jugar con su principal relevancia, con su principal utilidad, la fuerza del signo y del símbolo, para crear los estandartes del auténtico reino de la música electrónica: Ibiza.

El nacimiento del emoticono. Instalación pictórica y escultórica. 2022

Siguiendo la línea de investigación que realizó durante su residencia en 2016, Jesús de Miguel traza un singular itinerario de la historia del símbolo. Un camino que le lleva desde las pinturas rupestres hasta los actuales emoticonos. Sus neo-pictogramas responden al colapso contemporáneo y a la limitación de reducir a simples íconos la expresión de emociones o conceptos complejos. El artista crea sus propios símbolos, no los reproduce, y los ofrece al espectador para que este les dote de sentido. Un artista con una semántica original y propia que otorga al público la tarea de imaginar activamente un mundo.

Tradición oral. Performance realizada el día de la preview de la presente exposición. Audio que documenta dicha acción. 2022.

La tradición oral transmite conocimientos y experiencias a aquellas personas que la escuchan. Cuando Juan Gómez Alemán llegó a la residencia de Ses12naus en 2016, entrevistó a algunos y algunas ibicencos e ibicencas para su proyecto, preguntándoles sobre el origen de la isla y sobre qué sucesos la habían convertido en lo que ahora es. Seis años después de esa experiencia es el propio Gómez Alemán quien trata de transmitir oralmente lo que fue aquella convivencia, un acontecimiento importante dentro del camino creativo del artista que, ahora, quiere compartir con nosotros mediante esta performance. 

Pou d’es Lleó. Composición musical. 6’02’’. 2016.

«Y vine a jugar. Con mis límites. Con los límites de la isla. En busca de la libertad. Para liberar a la música del sujeto. Para liberarme de mi. Para capturar a pesar de mi. Más que mis propias ideas. El ritmo del aire. La saturación del blanco. Los armónicos de la luz. Para devolver su espacio al silencio. Aislado. Ahogado entre el ruido. Para recoger el silencio de la naturaleza. Para recoger las notas del silencio. Para retornarlas al mar. Mediterráneo».

Ca eivissenc. Fotografía. C-print hand made. 110 x 110 cm. 2016.

La artista suele centrarse en los temas de moralidad, vulnerabilidad y destino, mientras permanece comprometida con la captura de aspectos ocultos de la vida actual, elementos invisibles o desconocidos que percibe a través de un profundo interés por los estados extremos, por la experiencia humana y por la profundidad de la mente. Las series fotográficas que Biswell realizó en la residencia se nutren de esa sensibilidad, estimulada por el nuevo contexto de la isla, para analizar el carácter ancestral y místico de Ibiza en base a una serie de imágenes que ella trabaja como símbolos mágicos. 

Sandra. Óleo sobre lienzo. 400 X 200 cm. 2018.

El imaginario de Ydáñez está cargado de recuerdos de su infancia, de escenas propias del costumbrismo de la vida rural y de elementos de esa naturaleza que habita. Unas referencias cercanas, cotidianas y personales que el artista conecta, a lo largo de los años, con la Historia del Arte y de la Humanidad, a menudo escondiendo mensajes éticos y políticos. Pintor de temática clásica, su trabajo es reconocido por una expresividad que resuelve en sesiones de trabajo rápidas donde capta lo esencial a través de una pincelada amplia, expresiva y enérgica, mientras usa una paleta de colores reducida. Algunas de estas características posee Sandra, una de las piezas que Ydáñez desarrolló durante su prolífica residencia en Ses12naus. Buscador compulsivo de belleza en todo aquello que le rodea, Sandra es interpretada por el artista como un paisaje que, de forma muy deliberada, adopta proporciones monumentales y verticales donde quedan de manifiesto algunos de los cambios de paradigma de la imagen contemporánea: la sobredimensión, la desaparición de los ejes espaciales tradicionales y la pérdida de la hegemonía de la perspectiva horizontal.

A Tree to weigh, a tree to measure. Instalación multimedia, GIF animado en 3D y luces LED. Medidas variables. 2018

Una pieza que fue concebida e instalada originalmente por el artista en un algarrobo, un árbol muy común en todo el Mediterráneo que toma su nombre de la palabra árabe kharrūb. Las vainas de algarrobo se han utilizado con diferentes propósitos a lo largo de la historia: afrodisíaco, herramienta de medición de gemas o fuente de nutrición básica. Precisamente la palabra quilate (unidad de masa y de pureza de las piedras preciosas) proviene de la palabra griega keration que significa algarrobo. El algarrobo, junto a otras especies autóctonas como el olivo, el almendro o la higuera, aparecen de forma recurrente como poderosos símbolos de la mediterraneidad. Karatasli utiliza el árbol como representación de la naturaleza primigenia y, desde ese lugar esencial, incorpora la cultura clásica y la vorágine contemporánea a partir de imágenes y dispositivos cargados de sentido. En A tree to weigh, a tree to measure, las célebres esculturas de Los esclavos de Miguel Ángel Buonarroti son convertidas en un GIF animado y reproducidas mediante modernas pantallas apoyadas en uno de esos árboles que, además, se muestra atravesado por potentes barras de luz blanca. Esta obra construye una intensa alegoría de la contemporaneidad donde todos nosotros aparecemos como esos nuevos esclavos que mantienen una relación compleja, más dialéctica que simbiótica, con el medio que nos acoge y que nos procura. 

Hotel Utopía. Vídeo que recoge una acción participativa. 8’ 48’’. 2018.

Hotel Utopía es un proyecto que parte de la estructura en ruinas de un edificio que iba a ser un hotel en Ibiza y que fue concebido por el reconocido arquitecto Josep Lluis Sert. El proyecto de construcción se inició en 1969 y se detuvo en los años 70, siendo abandonado por completo tras la muerte de Sert en 1983. Hasta la fecha el destino de la ruina sigue siendo incierto. El video recoge la intervención efímera y participativa que se llevó a cabo en esa estructura, rindiendo homenaje a la arquitectura Sert y, de forma más general, a las ideas, las promesas utópicas y los sueños de una modernidad que se convierte en una metáfora de la insatisfacción y de las contradicciones no resueltas que encierra. El objetivo no es dar una visión negativa del edificio, sino hacer que afloren partes de la estructura a través del acto de pintar, dándole una sensación abstracta y atemporal, como si la construcción estuviera suspendida entre su pasado y su futuro.

Ganadora del premio del Gobierno Vasco Gure Artea en el 2013, como reconocimiento a su trayectoria artística y su aportación al arte contemporáneo. Aláez ha desarrollado a la par de su trabajo plástico, actividades como el diseño de espacios y la escritura. Es a partir del 2000 (coincidiendo con su proyecto Dance & Disco en el Espacio 1 del Reina Sofía), cuando comienza a colaborar con otros creadores de música electrónica. Cuenta con una extensa actividad docente de cursos, conferencias y talleres. Ana Laura vive y trabaja en Palma de Mallorca.

El conflicto es otro. Cáñamo. Medidas variables. 2018.

«Su forma es una especie de máscara ancestral, con orificios y perforaciones: nexos frágiles de relaciones internas y externas. Una red irregular basada en la repetición, en transformar lo horizontal en vertical, en dotar de tridimensionalidad a un plano, en escribir un relato biográfico con otros elementos, en la acción de alzarse independientemente a las circunstancias, etc. Todo ello incide en lo inconcluso de las estructuras y en la imposibilidad de lograr alguna certeza. Los círculos horadados son un elemento que se repite constantemente en mi trabajo. En este caso, esos agujeros devienen en símbolo de un deslizamiento con fricción. El cáñamo, material apenas tratado, crudo, áspero, color de tierra, sometido en las manos, remite a una cultura más atávica».