De personalidad inquieta y trayectoria multidisciplinar, Héctor Cardell, conoce de manera personalísima el escenario y sobre todo las bambalinas de la escena nocturna ibicenca. En 1985 decide dejar la península y su Alicante natal para participar de lleno en el zoo mundano que rodeaba la noche pitiusa poniendo en valor sus aptitudes para la ambientación, y de esta manera quedar ligado a ella durante la mayor parte de su carrera profesional.

Como parte de los equipos de diseño de interiores y visual de salas como Ku, (actualmente Privilege) Héctor desembarca en Pachá -donde se establecería durante más de veinte años- decorando una Ibiza por donde se paseaba un misceláneo grupo de personajes nacionales e internacionales que poco se parece a la actual isla, tanto en sus periodicidades y formas de trabajo, como en su espíritu. En palabras del propio Héctor al recordar aquella época "la ambientación surgía de manera natural, era parte de un trabajo grupal con materiales hechos enteramente por nosotros mismos. Las salas tenían ambientación pero la gente se ambientaba sola, entraban al juego porque la estrella no era el DJ en cuestión, era el público", Héctor es por tanto testigo de excepción de una escena de clubs más espontánea, fresca, menos técnica y fundamentalmente guiada por un amor común a la libertad de expresión.

Andrea Rodríguez Novoa (Gijón, ES) es comisaria, arquitecta y escritora afincada en España y Francia. Es miembro de IKT, Asociación Internacional de Comisarios de Arte Contemporáneo y de C-E-A, Commissaires d'Exposition Associés (Francia). Formó parte del comité de adquisición del FRAC Normandie, Francia (2017-2021).

Reflexiona de forma expandida sobre el espacio y el tiempo, la imagen, la narración y el relato. Desarrolla proyectos curatoriales y escribe desde y sobre el afecto para hablar de arte. Se interesa por las formas y formatos de producción, difusión y transmisión del arte contemporáneo, por las "arquitecturas expositivas" como herramientas de construcción del discurso en el ámbito público, social y político.

Desde febrero de 2022 es Co-Directora y Responsable del Programa Profesional de Barcelona Gallery Weekend (www.barcelonagalleryweekend.com). Junto con Verónica Valentini, dirige, comisaría y enseña en BAR project (www.barproject.net / @hola.barproject), una residencia y un programa de formación en artes visuales que cofundó en Barcelona en 2012. En 2020 cofundó en Barcelona junto a la arquitecta Magdalena Ostornol el proyecto MIA (Meta-Industrial Architectures, @mia_architectures), que con la mirada en el detalle, desarrolla arquitecturas que abordan la sostenibilidad energética, ambiental, económica y social. Desde 2018 colabora con Leopold Banchini Architects (www.leopoldbanchini.com) en Ginebra.

Ha realizado proyectos de comisariado con numerosos colaboradores como : Bienal de Lyon, Centre Georges Pompidou (París), Institut Français (Barcelona), Casa Velázquez (Madrid), STROOM (La Haya), SOMA México (CDMX), 18th St. Art Center (Los Ángeles), Bienal de Gwangju (Corea del Sur), École de Beaux Arts Quimper (Francia), CAPC Musée d'Art Contemporain de Bordeaux (Francia), Sandberg Instituut (Ámsterdam), HEAD Haute École d'art et Design (Ginebra), etc. Algunos de sus proyectos son : Slow Gala", Instituto de Arte Sixty Eight, Copenhague, 2022; "Just Because. In the blink of an eye', Bombon Projects gallery for Barcelona Gallery Weekend, 2021 ; 'A guided visit', Sandberg Instituut, Ámsterdam, 2018; 'Whenever you do(not) feel like, keep going', Plataforma Révolver, Lisboa, 2017 ; 'Unveiling (Reflections on scape)', Primo Piano, París, 2017; 'One Night Stand: At- homeness despite it all', MAK Center for Art and Architecture, L. A., 2016; 'Plagiarizing the future', Hangar, Lisboa, 2015 ; 'Promenade architecturale', Centro de Arte Fort du Bruissin, Lyon, 2014, etc.

Comisaria y directora artística de Halle Nord, Ginebra. Actualmente es candidata a doctorado en el Institute Art Gender Nature de Basel y en la Universidad de Linz, Austria, para llevar a cabo la investigación del jardín del artista británico, cineasta, autor y activista por los derechos de los homosexuales Derek Jarman (Reino Unido, 1942-1994). Desde 2019, ha estado desarrollando un jardín en homenaje al Prospect Cottage de Jarman en La Becque | Artists Residency, La Tour-de-Peilz, donde recopiló material no oficial de archivo con el objetivo de dar a conocer el legado de Jarman.

Rosa Tharrats (*Barcelona, vive y trabaja en Barcelona), basa su creación principalmente en los tejidos, aunque trabaja también con otros medios, como la instalación, la escultura o la performance. Investiga en particular las sincronicidades y los patrones de la naturaleza de forma intuitiva recurriendo para ello a toda suerte de materiales, aunque centrándose en los tejidos. Tharrats rastrea, modifica y crea alianzas que potencian la transformación de estos materiales, trastoca sus cualidades y los convierte en cuerpos que atraviesan por conceptos como la ingravidez, la meditación o el ritual. En última instancia, la artista centra su interés en la comunicación sensorial entre distintos tipos de materiales y seres. Conceptos como transformación, simbiosis o el paradigma naturaleza/cultura son otros elementos esenciales en su trabajo.

Rosa Tharrats ha expuesto su obra internacionalmente, destacando las muestras realizadas en TBA21 (Córdoba, 2022), Art-o-Rama (Marsella, 2022), Centre d’Art Maristany (Barcelona, 2022), Zona Maco (Ciudad de México, 2022), MACBA (Barcelona, 2021), Ehrhard Flórez (Madrid, 2022 y 2018), Barcelona Gallery Weekend (2021), CCCB (Barcelona, 2021), Museu de l'Empordà (Figueres, 2021), Bombon Projects (Barcelona, 2020), ARCOmadrid (Madrid 2019), Apulia Land Art Festival (Italia, 2017) y Galería Cadaqués (Girona, 2015).

Partiendo de la convicción de que nuestra comprensión liberal occidental del mundo no basta para hacer frente a la acumulación creciente de problemas por todo el planeta, Sarah Ancelle Schönfeld (*Berlín, vive y trabaja en Berlín) diseña constantemente unos misteriosos laboratorios y tratamientos en los que elaborar, a partir de cero, soluciones, curaciones y significados empleando una variedad de métodos radicalmente interdisciplinarios. Schönfeld trata humorísticamente de actualizar las llamadas sabidurías populares. Sus laboratorios se plasman en instalaciones, performances, esculturas, instrumentos, fotografías y collages, incorporando a su trabajo enfoques de campos tan diversos como la ciencia, la religión, la mitología, la magia o la tecnología. Investiga distintos tipos de generación de conocimiento y verdad que constituyen, controlan y reproducen el yo humano y eso que en nuestro mundo hemos acordado en denominar «realidad».

Ha expuesto sus obras en numerosas muestras individuales y colectivas, entre las que destacan las celebradas en Het Hem, Ámsterdam (2022); HKW, Berlín (2021); Berghain/Boros Collection (2020); Bienal de Estrasburgo (2019); Staatliche Kunsthalle, Baden-Baden (2018); MAK, Viena / Bienal de Viena (2017); Staatliche Museen zu Berlin, Berlín (2017); CAN- Centre d‘Art contemporain, Neuchatel (2017); Kunstverein Wolfsburg (2016); Fotomuseum Winterthur (2014); Hamburger Kunsthalle, Hamburgo (2012); y Berlinische Galerie, Berlín (2010/2011). Schönfeld, que en 2005 viajó con una beca DAAD a Siberia, en 2011 fue artista en residencia en Villa Aurora, Los Ángeles; en 2014 fue premiada con el FOAM Talents Award de Fotomuseum, Ámsterdam; en 2012 y 2020 obtuvo las becas Stiftung Kunstfonds Bonn y en 2020 recibió un encargo de escultura pública de la New Mexico State University.

La obra de Mathilde Rosier (*París, vive y trabaja entre la Borgoña francesa y Basilea) parte del interés de la artista por la experiencia física y psicológica de antiguos rituales.

Su investigación se plasma a menudo en ramificaciones ficticias o en fragmentos de una narrativa en la que unas constelaciones de prendas de vestir realizadas por la propia Rosier y representaciones místicas de animales y plantas se reúnen en una suerte de atrezo, de escenografía abandonada o como protagonistas solitarios de una realidad tan desconocida como cautivadora.

Combinando pintura, cine, danza y teatro, Rosier construye unas situaciones oníricas que llevan al espectador a perder el sentido del espacio y del tiempo, abriendo un portal entre los dominios del consciente y el inconsciente. Rosier crea unas obras que abordan e ilustran la necesidad de una vuelta a formas armoniosas de integración de la actividad humana en un «entorno natural», incluyendo prácticas preindustriales que podrían parecernos irracionales y observando el mundo desde una perspectiva rural contemporánea.

Entre sus exposiciones individuales y performances más recientes destacan Les Champs de prospérité Intensive, Fondation d’entreprise Pernod Ricard, París (2023); Sketches in the margin, jevouspropose, Zúrich (2021); Le Massacre du printemps, Museo MADRE, Nápoles (2020); “MASP”, Sao Paulo (2020); How to Dance in the Fields, Fundacja Razem Pamoja, Varsovia (2019); Figures of Climax of the Impersonal Empire, Fondazione Guido Ludovico Luzzatto, Milán (2018); In Revolution. Resolution of Some Hierarchic Orders, Der Tank Institut Kunst, Basilea (2016); Organs of the Whale, Dortmunder Kunstverein, Dortmund (2012); Necklace of Fake Teeth, Camden Arts Centre, Londres (2011); Mathilde Rosier. Rite de passage, Kunstpalais, Erlangen (2011); Find circumstances in the antechamber, Musée Jeu de Paume, París (2011); Play for a stage of the Natural Theatre of Cruelty, performance en Serpentine Gallery, Londres (2009).

Guillermo Romero Parra (*Madrid, vive y trabaja entre Madrid e Ibiza) es fundador y director de Galería Parra & Romero, que abrió sus puertas en Madrid en 2005 y que, desde su apertura, ha basado su línea en la investigación de nuevos lenguajes en el arte contemporáneo en los límites del arte conceptual y el minimalismo.

La galería se especializa en el encuentro entre creadores de dentro y fuera de España a través de un programa de diálogos paralelo al de exposiciones, y en proyectos desarrollados por comisarios invitados. Ese programa curatorial es un pilar fundamental en la concepción de Parra & Romero de la galería como laboratorio en el que plantear nuevos debates del arte contemporáneo. 

En julio de 2012, la Galería Parra & Romero se embarcó en una nueva aventura: la apertura de un segundo espacio en el corazón de la Ibiza rural. Asumiendo que la isla encarna uno de los puntos de encuentro más internacionales que existen, el enorme hangar simboliza la evolución de la isla mediante el arte, reivindicando el legado de Ibiza como refugio de intelectuales. 

En línea con la misión de promover la vida artística de la isla a lo largo de todo el año, incluyendo los meses de invierno, en 2022 Romero Parra abrió un tercer espacio en la localidad de Santa Gertrudis.

Antes de iniciar su propio proyecto, Guillermo Romero Parra trabajó para Christie’s, White Cube y Victoria Miro. En la actualidad da clases sobre teoría y mercado del arte contemporáneo en la Universidad de Salamanca (USAL).

Jaime Romano (*Ibiza, vive y trabaja entre Ibiza y Barcelona) es un arquitecto que abrió su estudio de arquitectura en 1991, antes incluso de licenciarse.

Conscientes de que el diseño de interiores no es lo que realmente cuenta en los nightclubs, pues sus espacios abarrotados impiden a sus usuarios habituales —las personas que van de fiesta— apreciarlo en su justa medida, Romano y su equipo desarrollaron su filosofía del diseño en torno a la idea de los «flujos» espaciales. Se trata de cómo conformar un espacio y cómo estimular la circulación de las personas por él, teniendo siempre en consideración los usos normativos y no normativos que se hacen del mismo, y sin dejar nunca de lado que los clientes se sientan seguros y a gusto y experimenten una experiencia sensorial profunda.

Aparte de haber ejecutado una serie de icónicas viviendas en Ibiza, Jaime Romano y su equipo son autores de proyectos como el club SPACE, también en la isla, el restaurante La Fonda en Barcelona, complejos residenciales en Barbados y proyectos en Suiza, Rusia, Túnez y Turquía.

Su estudio ha estado directamente implicado en la construcción y renovación de unos cuantos nightclubs barceloneses, como Pacha, ubicado en la parte alta de la Diagonal, el Fellini, situado en el interior de la Estación de Francia, CDLC, Razzmatazz, en la calle Almogàvers, o el mítico La Paloma, en el Raval.

Jaime Romano se formó en la ETSAB (Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona) y en la UPC (Universidad Politécnica de Cataluña). Es el fundador de Romano Arquitectos, con estudios en Barcelona e Ibiza

Desde finales de los noventa Mark Leckey (*1964 Birckenhead, Reino Unido, vive y trabaja en Londres) aborda en su práctica creativa la relación entre cultura popular y tecnología e investiga temas relacionados con la juventud, la clase y la nostalgia.

La obra de Leckey explora la intersección de varias culturas: desde las culturas de la juventud, el rave y el pop a la historia británica, y lo hace a través de una combinación igualmente ecléctica de medios que incluye la escultura, el cine, el sonido y la performance. En su rompedor film Fiorucci Made Me Hardcore investiga la escena del clubbing underground británico entre las décadas de los setenta y los noventa. Utilizando una recopilación de material fílmico encontrado, Fiorucci se adelanta al totum revolutum de la cultura de YouTube y combina memoria personal y colectiva.

Mark Leckey se licenció en 1990 en el Newcastle Polytechnic. En 1997 se trasladó a Londres. En 2008 ganó el Turner Prize. Su trayectoria internacional incluye exposiciones individuales en Julia Stoschek Collection (2020), Tate Britain (2019), MoMa PS1 (2016), Kölnischer Kunstverein de Colonia (2008) y Le Consortium en Dijon (2007). En 2009 presentó sus performances en el Museum of Modern Art y el Abrons Arts Center de Nueva York y en el Institute of Contemporary Arts de Londres; ya en 2008 lo había hecho en el Solomon R. Guggenheim Museum neoyorquino. La Tate y el Centre Pompidou poseen obra suya.

Carolina Jiménez (*Madrid, vive y trabaja en Barcelona), es comisaria e investigadora. Su investigación se centra en la escucha en relación con lo epistemológico, ontológico, ético y político. Le resultan de particular interés las formas en las que se prioriza el conocimiento y los sistemas que determinan los cortes agenciales entre enunciación y escucha. Vive y trabaja en Barcelona, donde combina el trabajo como comisaria independiente con la práctica institucional, ahora ocupándose de los programas de investigación y transferencia de conocimiento de Hangar o previamente de la coordinación académica del Programa de Estudios Independientes (PEI) del MACBA. Hasta 2017 vivió en Berlín, donde comisarió exposiciones, produjo o coordinó proyectos en SAVVY Contemporary, Transmediale-CTM Vorspiel, Bethanien, Berlin Art Week, Grimmuseum, GlogauAir o Altes Finanzamt. También ha comisariado proyectos en La Casa Encendida, Matadero Madrid, TBA21, Centro Párraga, Twin Gallery o la Sala d’Art Jove. Dirige el programa de música Rhythm is Rhythm en la radio comunitaria de Barcelona dublab. Cuando puede, escribe para catálogos y publicaciones.

La práctica artística de Fernando García Dory (*Madrid, vive y trabaja en Madrid) se centra en la relación entre cultura y naturaleza, expresada en múltiples contextos que van desde el paisaje y lo rural a deseos y expectativas vinculados a la identidad, la crisis, la utopía y el cambio social. Interesado en la complejidad armoniosa de las formas y los procesos biológicos, aborda las conexiones y la cooperación que se da tanto en los microorganismos como en los sistemas sociales, en los lenguajes del arte tradicional, como el dibujo, o en los proyectos, acciones y cooperativas agroecológicas colaborativas. Estudió Bellas Artes y Sociología Rural y en la actualidad prepara un doctorado en Arte y Agroecología. Recibió el Premio al Arte Socialmente Comprometido concedido por Creative Time New York y el Premio Chamberlain y fue finalista del Premio Rolex. Es fellow del Council of Forms (París) y miembro de la junta directiva de la World Alliance of Nomadic Pastoralists. Ha desarrollado proyectos y expuesto su obra en Tensta Konsthall, Van Abbe Museum, Museo Reina Sofía, SFMOMA, Centre Pompidou o documenta 12, así como en las bienales de Gwangju, Estambul y Atenas. Desde 2010 desarrolla un proyecto sobre una parainstitución llamada INLAND.

El trabajo de Lara Fluxà (*Palma, vive y trabaja en Barcelona) genera una escena, un paisaje, no desde un intento de orden y dominación, si no haciendo evidente la fragilidad del entorno y la necesidad de nuestra comprensión y atención. Sus lugares requieren de responsabilidad y cuidado, exigen pensar la gravedad de nuestro cuerpo y la dirección de nuestra acción. Adentrarnos en ese espacio ya habitado que genera, es compartir existencia desde la diferencia, un universo habitado por formas orgánicas que esperan nuestra presencia bajo el horizonte de la responsabilidad, vibración y juego.

Ha participado en la exposición del Pabellón catalán en la 59 edición de la Biennale de Arte de Venecia; en Lo Pati-Centre d'Art de les Terres de l'Ebre, Amposta;  la Fundación Joan Miró, Barcelona; el Museo de Arte Moderno y Contemporáneo Es Baluard, Palma de Mallorca; el Casal Solleric de Palma; el Museo Marítimo de Barcelona y el Arts Santa Mònica, Barcelona, entre otros.

Sonia Fernández Pan (*Vitoria, vive y trabaja en Berlín) escribe, hace proyectos de curadoría (in)dependiente y baila en el anonimato de la pista. La conversación, la amistad y la entropía son parte de su metodología de investigación, gracias al intercambio continuo de gestos e ideas con otras personas. Es co-comisaria de You Got To Get In To Get Out, un proyecto que parte de una investigación de largo recorrido sobre el techno que ha realizado con Carolina Jiménez para La Casa Encendida en 2021 y 2022. El resultado fue una exposición que se complementaba con otros programas paralelos y la publicación de un libro sobre la materia. Es también anfitriona de diferentes series de podcasts para Promise no Promises! un proyecto de investigación y grupo de reflexión encargado de evaluar, desarrollar y proponer nuevos lenguajes y métodos sociales para comprender el papel de la mujer y el género en las artes, la cultura, la ciencia y la tecnología, en Institute Art Gender Nature, HGK Basel FHNW. Recientemente ha publicado Edit con Caniche Editorial, un libro desde la pista de baile que produce un continuo remix de textos que hacen espejo entre ellos.

Las grabaciones y los libros de la música y artista francesa Félicia Atkinson’s (*París, vive y trabaja entre Normandía y París) constituyen unos mensajes íntimos emitidos desde un espacio intersticial entre el pensamiento privado y la expresión pública. Atkinson lleva más de una década desarrollando poco a poco una narrativa abstracta que explora, con diversos medios, las frecuencias emocionales y espirituales de una vida interior en constante movimiento por el mundo. Además de su trabajo individual, publica libros y grabaciones de otros artistas a través de Shelter Press, una plataforma de publicaciones que gestiona con su compañero Bartolomé Sanson. Voz y texto son elementos básicos en el trabajo de Atkinson, que recurre al lenguaje para transmitir las dimensiones de una práctica artística diversa en la que el viaje, la performance, la edición y la familia intervienen para componer y alimentar una existencia creativa y holística.

Tras graduarse con honores en la École Nationale supérieure des Beaux-Arts de París (Máster), Félicia Atkinson siguió el proyecto pedagógico experimental Bocal, iniciado por el coreógrafo Boris Charmatz. Ha colaborado con músicos como Jefre Cantu-Ledesma, Chris Watson, Christina Vantzou y Stephen O'Malley, y con colectivos como Eklekto (Ginebra) o Neon (Oslo). Ha actuado en espacios y festivales como INA GRM/Maison de la Radio y la Philharmonie (París), Issue Project Room (Nueva York), Barbican Center (Londres), Le Guess Who (Utrecht), Atonal (Berlín), Henie Onstad (Oslo), Unsound (Cracovia) y Skanu Mesz (Riga). Cineastas (Ben Rivers, Chivas de Vinck) y marcas de moda (Prada, Burberry) le han encargado prooyectos. Entre los museos, galerías y bienales en los que ha expuesto destacan la Bienal RIBOCA (Riga), Overgaden (Copenhague), BOZAR (Bruselas), Espace Paul Ricard (París) y MUCA ROMA (Ciudad de México).