Archivo de artistas

Raquel Victoria (Palma de Mallorca, 1998) es comisaria e investigadora de arte contemporáneo. Se graduó en Bellas Artes por la Universidad de Granada, especializándose en producción artística, gestión cultural y práctica curatorial, con un interés particular por la estructura física y conceptual del white cube en el arte contemporáneo.

En 2024 trabajó como art manager en Collaborations DK y CCA Andratx. Ha comisariado exposiciones como The Softness (CCA Andratx), The Bliss of Ignorance (Stefan Rinck y Philip Grözinger) y Concrete Curtains (Xenia Lesniewski).

En 2021 cofundó la asociación cultural La Constructora y coordinó el Festival Al Liquindoi. Ha participado en grupos de investigación y ha recibido varias becas, entre ellas una del Plan de Investigación y Transferencia de la Universidad de Granada.

Residencia: Open Call 2024 

Web: www.raquelvictoria.com

Andrés Izquierdo (Madrid, 1993) recurre al psicoanálisis y a la alegoría para explorar temas como la infancia, el duelo y las cualidades restauradoras del espacio y los objetos. Trabajando a través de una amplia gama de medios —incluyendo esculturas móviles, diseño de mobiliario, cerámica figurativa, dibujos con rotulador e instalaciones arquitectónicas— su práctica se articula a partir de yuxtaposiciones entre condiciones anárquicas y estructuradas: tierra y cielo, biología y teología, emergencia y disolución. Fascinado por lo que es —y al mismo tiempo no es—, Izquierdo entrelaza la presencia física (paisaje, cosmología y fenómenos) con la contemplación consciente, expresada a través de pensamientos intrusivos, ensoñaciones y sensaciones corporales.

Residencia: 6 — Figueretes 22

Web: www.andresizquierdo.org

“Hoy hago fotos, mañana quién sabe.”

En su trabajo, Cristina Stolhe (Pontevedra, ES, 1993) examina la experiencia de la vida cotidiana a través de la fotografía. Utilizando cámaras analógicas y digitales —y especialmente la cámara de su teléfono móvil— explora la esencia de la vida mientras especula con lo presente, preguntándose “¿qué hay ahí?” y dotando a sus imágenes de emociones que no siempre son inmediatamente evidentes. Sus escenas evocan nostalgia y una sensación de intimidad y familiaridad, al tiempo que capturan el momento presente a través de una mirada lenta y casi voyeurística. La práctica de Stolhe busca apreciar los instantes fugaces y preservarlos, invitándonos a reflexionar sobre cómo las experiencias personales y los recuerdos moldean nuestras vidas e identidades.

En 2018, su primer libro Random Pictures Book fue publicado por Terranova como un homenaje a la fotografía con teléfono móvil, explorando la actual sobreproducción y consumo de imágenes.

Residencia: 6

Web: @xtinastolhe

Paul Hauptmeier (1993) y Martin Recker (1991) son compositores que trabajan entre la composición, el sonido y el arte multimedia. Desde hace más de quince años colaboran como el dúo artístico Hauptmeier | Recker, desarrollando proyectos que abarcan ópera, performance electrónica en vivo, arte radiofónico, música electroacústica e instalaciones site-specific. Su práctica se basa en la construcción de entornos sonoros inmersivos, traduciendo a menudo sistemas complejos —ecológicos, tecnológicos o sociales— en experiencias sensoriales que se despliegan a través del sonido, el espacio y la luz.

Son cofundadores y miembros del consejo de ZiMMT – Center for Immersive Media Art, Music and Technology (Alemania), donde comisarian eventos y desarrollan investigación en el campo del audio espacial. Desde 2022 también imparten docencia en arte sonoro en la Burg Giebichenstein University of Art (Alemania).

Residencia: HYDRO LOGICAL

Web: www.hauptmeier-recker.de · @hauptmeier_recker

Nina Beier (Dinamarca, 1975) trabaja con objetos encontrados cuyo valor ha sido configurado colectivamente a lo largo de distintos periodos de tiempo, generaciones o realidades globales. Híbridos e inestables, los objetos que selecciona se convierten en motivos elásticos —en constante mutación, deslizándose entre significados y permaneciendo en un estado de transformación. Interesada en cómo la cultura material refleja las estructuras de poder sobre las que se construye la sociedad, la práctica escultórica de Beier excava objetos que contienen códigos culturales estratificados y a menudo contradictorios. Su trabajo desentraña el espacio entre intención, producción, distribución, comercio y uso, rastreando cómo estas fuerzas se transforman con el tiempo y remodelan tanto los objetos como el valor que se les atribuye.

Simon Dybbroe Møller (Dinamarca, 1976) piensa con y a través de las cosas. Su práctica busca objetos que parecen suspendidos en un limbo —difusos, transicionales y atrapados entre condiciones de existencia dispares. Se siente atraído por objetos e imágenes que parecen haberse inventado casi por sí mismos, actuando, en sus propias palabras, como “articulaciones no verbales de nuestro subconsciente colectivo”. A través de la fotografía y de gestos escultóricos, investiga la relación entre nuestras experiencias sensoriales más fundamentales y la creciente autonomía de los medios de representación. En el núcleo de su trabajo se encuentra una investigación continua sobre cómo transformamos los medios —y cómo los medios nos transforman a nosotros.

Residencia: PROTEIN

Web: @nina_beier_ & @rest_on_your_belly_in_the_mud

Alban Le Henry es un diseñador formado en ENSCI – Les Ateliers (École Nationale Supérieure de Création Industrielle). Tras graduarse en 2001, pasó varios años asistiendo a los hermanos Bouroullec, una experiencia que suele describir como su “segunda escuela”. En 2007 fundó su propio estudio de diseño en París y desde entonces ha desarrollado una práctica amplia que abarca la escenografía expositiva, el diseño industrial y la creación de objetos de colección para galerías.

Le Henry afirma no tener ninguna experiencia particular, y prefiere hablar de una “visión pragmática o sensibilidad técnica”, una declaración que refleja su enfoque del diseño como un proceso continuo de hacer, probar y refinar a través de la inteligencia material y la claridad estructural.

Residencia: SFAI.01

Web: www.albanlehenry.com · @albanlehenry

Jorge Isla es un artista visual afincado en Bilbao. Desde 2015, su práctica se ha centrado en observar y analizar las realidades —y los modos de producción y consumo— que configuran la sociedad contemporánea. Su trabajo se sitúa en la intersección entre la escultura, el videoarte y la fotografía, construyendo narrativas visuales que examinan cómo las imágenes, los objetos y los sistemas circulan dentro de la actual economía de la atención y el valor.

En 2015 recibió el premio VEGAP, y en 2016 obtuvo la MAPA Grant de LENS School. En 2017 fue beneficiario de una beca de artes visuales del Ministerio de Cultura de España en el Collège d’Espagne de París. Su obra ha sido presentada en numerosas exposiciones individuales y colectivas, entre ellas en el Museo de Historia Natural de la Universitat de València (2018), PhotoEspaña (2017), la XV Bienal de Fotografía de Córdoba (2017), Kir Royal Gallery (Madrid, 2017), Galería Antonia Puyó (Zaragoza, 2017), el Museo de Arte en Vidrio de Alcorcón (Madrid, 2018), el Centro de Creación Contemporánea Matadero (Madrid, 2018), Art Lima (2018), Unseen Art Fair (Ámsterdam, 2018), Estampa Art Fair (Madrid, 2017 y 2018) y Photo London Art Fair (2019).

Residencia: Figueretes 22 

Web: www.jorgeisla.com / @jorgeisla.nft

Keiken es un colectivo artístico cofundado por Tanya Cruz, Hana Omori e Isabel Ramos en 2015. Con base entre Londres y Berlín, el colectivo surge de contextos diaspóricos mixtos (mexicano / japonés / europeo / judío) y trabaja de manera colaborativa para construir mundos especulativos que ponen a prueba formas alternativas de existir. Su práctica se despliega a través del cine, los videojuegos, la instalación, la realidad extendida (XR), el blockchain y la performance, adoptando a menudo la forma de entornos inmersivos que simulan nuevas estructuras sociales y futuros imaginarios.

Keiken ha sido galardonado con el Chanel Next Prize, y su trabajo se ha presentado internacionalmente en exposiciones y contextos como la 2ª Bienal de Tailandia (Korat), House of Electronic Arts HEK (Basilea), el Pabellón de la Federación Rusa en la 17ª Bienal de Arquitectura de Venecia, Koenig Galerie (Decentraland), FACT (Liverpool), HAU Hebbel am Ufer (Berlín), Frankfurter Kunstverein (Fráncfort), transmediale en Haus der Kulturen der Welt HKW (Berlín, 2020), el Institute of Contemporary Arts ICA (Londres) y Jerwood Arts (Londres, 2019).

Residencia: Figueretes 22

Web: www.keiken.cloud / @keiken

Katrine Skovsgaard es una artista danesa que trabaja entre Copenhague y Londres. Ha recibido el Sven Dalsgaard Honorary Award para jóvenes artistas experimentales, el HIGH Prize of Creative Excellence y el 15th of June Foundations Honorary Award. Su trabajo investiga formas de comunicar experiencias sensoriales y emocionales subjetivas, especialmente aquellas vivencias personales de las que no hablamos o que pasan desapercibidas. Su investigación se basa en la práctica artística y se sitúa en la intersección entre distintas formas de comprender la vergüenza, el dolor crónico, el compartir y el cuidado mutuo. Su obra se ha presentado en Brandts, c4 Projects, Copenhagen Art Week, Kunsthal Aarhus, Middelfart Museum, The Psychiatry in Southern Denmark, Montez Press Radio, Sorø Art Museum, Vollsmose Culture House, entre otros.

Residencia: Figueretes 22

Web: www.katrineskovsgaard.net / @katskovsgaard

Ndayé Kouagou es un artista y performer afincado en París. Su práctica parte siempre de textos de los que es autor. De manera voluntaria o involuntariamente confusa, intenta, en la medida de lo posible, generar una reflexión en torno a tres temas: la legitimidad, la libertad y el amor. El resultado es… lo que es. Él mismo describe su trabajo como “bastante interesante, pero no tan interesante o quizá nada interesante”. Ha presentado su trabajo, entre otros lugares, en Auto Italia South East (Londres), Centrale Fies (Dro, Italia) y Lafayette Anticipation (París), donde también lanzó su proyecto editorial YBR (Young Black Romantics)

Residencia: Figueretes 22

Web: youngblackromantics.com / @youngblackromantics

Raissa Pardini es una artista visual nacida en Italia y afincada en el Reino Unido cuya práctica se mueve entre la música y la cultura contemporánea. Dieciséis de sus carteles han sido recientemente incorporados a la colección permanente del Victoria & Albert Museum, como parte de su documentación sobre la actual escena emergente de la música británica. Ha colaborado con algunos de los artistas y plataformas más influyentes a nivel mundial —desde Apple Music y MTV hasta Sony, Vevo, The New York Times, Adobe y WeTransfer— y ha trabajado con artistas como Måneskin, Nadia Lee Cohen, Paul Weller, Idles y Khruangbin, entre otros.

Paralelamente a su práctica visual, Pardini participa activamente en conferencias, seminarios, programas de mentoría y festivales, donde subraya la importancia del lenguaje visual dentro de la industria musical y anima a las nuevas generaciones a desarrollar sus propios caminos creativos. Ha conducido sesiones para Adobe Live, ha intervenido en el escenario principal de OFFF Barcelona, ha participado en Wide Awake Festival y ha sido invitada en plataformas como el podcast de Rough Trade, Synesthesia, BIMM Institute y diversas universidades de toda Europa.

Residencia: Figueretes 22 

Web: raissapardini.com/@raissa_pardini

Alex Baczynski-Jenkins es un artista y coreógrafo cuya práctica se centra en el afecto queer, la corporalidad y la relacionalidad. A través del gesto, la colectividad, el contacto y la sensualidad, su trabajo despliega las estructuras y políticas del deseo. Ha presentado exposiciones individuales en Kunsthalle Basel (2019), Foksal Gallery Foundation en Varsovia (2018) y Chisenhale Gallery en Londres (2017), y ha mostrado su trabajo internacionalmente en contextos como la 58ª Exposición Internacional de Arte – La Biennale di Venezia (2019), Stedelijk Museum Amsterdam (2019), Migros Museum of Contemporary Art Zurich (2018), Palais de Tokyo en París (2017), Museum of Modern Art Warsaw (2017), Swiss Institute Contemporary Art New York (2016), Muzeum Sztuki Łódź (2016) y Basel Liste (2014).

Es cofundador del espacio feminista y queer Kem en Varsovia, que ha desarrollado proyectos como Kem Care en el Museum of Modern Art Warsaw (2017) y Three Springs en el Ujazdowski Castle Centre for Contemporary Art (2018–2019). Baczynski-Jenkins fue becario del Home Workspace Program en Beirut (2012–2013), y en 2018 recibió tanto el Arts Foundation Award como el Frieze Artist Award.

Residencia: Figueretes 22 

@baczynski.j

La artista multidisciplinar Nora Silva se define como alguien que hace cosas. En un sentido más profundo, puede describirse como artista, investigadora independiente y escritora hispano-chilena afincada en Londres, quien—tras graduarse en Bellas Artes—viajó por América Latina trabajando como cocinera.

Su trabajo se enraíza en una conciencia social y propone al espectador reflexionar sobre cómo respondemos a algunas de las cuestiones que definen nuestro tiempo: la pérdida de privacidad, el cambio climático, las políticas migratorias, la cultura del consumo y la turistificación de las ciudades. Su práctica suele apoyarse en la performance basada en la acción, a menudo acompañada de instalaciones y objetos que extienden los gestos de su trabajo en vivo hacia el espacio físico.

Residencia: Embarking

Web: @noramutcho

La artista británico-danesa Isha Bøhling trabaja entre la pintura, la escultura, el sonido y la curaduría. Compone con pintura, dibuja con su voz, esculpe instrumentos y desarrolla performances mediante instalaciones basadas en objetos y luz. Su trabajo ha sido presentado internacionalmente en Europa, Asia, Estados Unidos y América del Sur.

Reconocida tanto por el público como por la crítica por su enfoque ecléctico y distintivo, Bøhling ha recibido numerosos premios a lo largo de su carrera. Fue galardonada con el Freelands Foundation Award (2020), finalista del East London Painting Prize (2014), y también finalista o seleccionada en importantes premios como el John Moores 23 Painting Prize (2003), Artsway Prize (2005), Red Mansions Prize (2002) y el Observer Student Prize (2002).

Residencia: Embarking

Web: www.ishabohling.com / @ishabohling

Damien Poulain es un artista que trabaja entre el diseño, la arquitectura y los entornos construidos y naturales. Su práctica transmuta influencias del simbolismo sintoísta, primitivo y heráldico, junto con la cultura material y digital contemporánea, para proponer un lenguaje visual universal. A través de una gama de formatos en constante evolución —incluyendo textiles, pintura, escultura y volúmenes arquitectónicos efímeros— desarrolla sistemas glíficos de geometría y color que cuestionan cómo los seres humanos se relacionan entre sí, con su entorno y con el misterio de la existencia.

Nómada y profundamente contextual, el trabajo de Poulain abarca desde intervenciones monumentales hasta pinturas de pequeño formato producidas en series continuas vinculadas al lugar y al tiempo. Aunque el espacio público sigue siendo su lienzo preferido, su obra también se ha presentado en exposiciones individuales en Kemistry Gallery y KK Outlet en Londres, y en Calm and Punk Gallery y Claska en Tokio, así como en exposiciones colectivas en el Museum of Graphic Design en Breda y el 21_21 Design Sight Museum en Tokio.

Residencia: Embarking 

Web: www.damienpoulain.com / @damienpoulain

El artista y escritor neoyorquino Ian Monroe conceptualiza con aguda claridad la promesa y la decepción de la modernidad. Alcanzó reconocimiento público por primera vez en 2003 con una exposición de gran formato en la Saatchi Gallery, y desde entonces su producción artística y su reconocimiento internacional no han dejado de crecer.

Su obra forma parte de numerosas colecciones privadas, así como de importantes instituciones internacionales como el Aarhus Kunstmuseum (Dinamarca), el Saint Louis Art Museum (EE. UU.), el Hamburger Bahnhof (Alemania) y el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (España).

Como escritor, Monroe ha publicado artículos en The Guardian, Art Review y la publicación especializada Collage, aportando reflexiones críticas sobre el arte contemporáneo y la cultura visual.

Residencia: Embarking

Web: www.ianmonroe.net / @m_ian_monroe

Juan Gómez Alemán es artista y gestor cultural. Es fundador y director de La Juan Gallery, la primera galería en España dedicada a las artes vivas. La práctica de la galería se centra en revisar y desmontar los clichés asociados al arte de performance, al tiempo que construye redes entre artistas y públicos a través de su programación y proyectos.

Ha colaborado con instituciones como el Instituto Cervantes, Central Saint Martins (Londres), Teatros del Canal (Madrid), Cidade da Cultura (Santiago de Compostela) y Matadero (Madrid), entre otras.

Residency: Embarking

Web: www.lajuangallery.com / @juangomezaleman

El artista visual y multimedia Jesús de Miguel vive en la isla y, por lo tanto, conoce Ibiza de manera íntima. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca, ha estudiado la antropología y los procesos creativos del arte, la animación y el diseño 3D.

Su práctica se arraiga especialmente en la pintura, a través de la cual explora una amplia variedad de enfoques —desde lenguajes puramente pictóricos hasta formas de expresión artística más vinculadas a la tecnología. La poesía visual de su trabajo se desplaza por un océano de abstracciones, donde lo definido se vuelve menos nítido y las formas se disuelven y se fusionan hasta renacer con vida propia, extendiéndose más allá de los límites de lo esperado.

Residencia: Embarking

Web: www.jesusdemiguel.com / @jesus_demiguel

El nombre de Zeltia Montes está estrechamente ligado a la música y al cine. Compositora gallega especializada en bandas sonoras cinematográficas, comenzó a componer a la temprana edad de 9 años.

Estudió piano y teoría musical en el Conservatorio Superior de Música de Madrid, donde se especializó en música moderna. También se formó en el Berklee College of Music de Boston y compuso su primera banda sonora en 2008 para la película Pradolongo, de Ignacio Vilar.

Entre sus reconocimientos destacan el Jerry Goldsmith Award, el Premio Mestre Mateo, la Medalla de Oro a la excelencia en el Park City Film Music Festival, y el Premio Goya a la mejor música original por la película El buen patrón.

Residencia: Embarking

Web: @zeltiamontes

Mauricio Freyre es un investigador, artista audiovisual y cineasta peruano con formación en arquitectura. Interesado en los puntos de encuentro entre el cine y la arquitectura, sus proyectos exploran las interfaces entre el celuloide y el espacio construido, poniendo especial atención en los márgenes, los puntos ciegos y las zonas oscuras.

Ganador del Premio Nacional de Cine Experimental en Perú y de la Matadero Production Grant en Madrid, sus películas e instalaciones han formado parte de programas y exposiciones en el Festival Internacional de Cine de Valdivia, Les Rencontres Internationales Paris/Berlin, l’Alternativa, TENT Rotterdam, Nederlands Film Festival y Fundación Telefónica Lima, entre otros.

Residencia: Embarking

Web: www.mauriciofreyre.com/ @mauriciofreyrem

La Juan Gallery es un templo del arte en vivo, fundado en 2015 por Juan Gómez Alemán y Alex De La Croix, bajo la firme convicción de que el arte de performance es una disciplina transversal y que los artistas crean, de forma inherente, con sus cuerpos.

Juan Gómez Alemán es el director creativo de La Juan Gallery. También trabaja como gestor cultural independiente, comisario de exposiciones, dramaturgo y director de escena, impulsado por una profunda curiosidad por la vida y la autoformación.

Alex De La Croix encarna la Transvanguardia: artista audiovisual, cineasta, actriz, comediante, codirectora de La Juan Gallery, activista gender fluid, modelo ocasional e icono generacional.

Residencia: The Moving Idea

Web: www.lajuangallery.com / @lajuangallery

El ibicenco Marc Tur y el catalán Eduard Reguant son dos arquitectos afincados en Ibiza. Para Marc Tur, “un buen proyecto es aquel que nos permite corregir o influir positivamente en la forma en que las personas se relacionan entre sí”, palabras que ilustran el valor que otorga a la arquitectura en general y a su trabajo cotidiano en particular. Ganador del Premio de Arquitectura de Ibiza y Formentera 2008–2011, es —junto a Eduard Reguant— responsable del diseño de los espacios de Ses12naus en Ibiza.

Residencia: The Moving Idea

Karen Paulina Biswell es hija de padres colombianos que emigraron a París para escapar de la fuerte represión política de comienzos de los años noventa. Su diversa obra, que desafía continuamente cualquier definición, se centra en temas como la moralidad, la vulnerabilidad y el destino humano. Impulsada por un profundo interés en los estados extremos y las profundidades de la mente y la experiencia humanas, Biswell examina aspectos poco conocidos de la vida contemporánea y los elementos invisibles y desafiantes de la sociedad actual.

Ha presentado exposiciones en Espacio 23 Miami, en Art and Social Unrest in the Jorge M. Perez Collection; en la Momenta Biennale de l’Image de Montreal; y en el A4 Art Museum de Chengdu, China. Su obra forma parte de colecciones públicas e institucionales como el Musée du Quai Branly – Jacques Chirac (Francia), el Museo del Banco de la República (Colombia), el Pérez Art Museum Miami / Colección Jorge M. Pérez, y Les Rencontres de la Photographie d’Arles (Francia).

Residencia: Embarking

Web: @karenpaulinabiswell

Ana Martínez Fernández trabaja principalmente en el campo de la escultura, que aborda a través del lenguaje escrito y hablado. Le interesa la complejidad de los relatos sociales, especialmente las implicaciones del consumo de ciertos productos e imágenes, las fuerzas paradójicas o contradictorias que configuran los mecanismos del deseo, y la ausencia —o presencia— de inocencia en dichos mecanismos.

Estudió Bellas Artes en la Universidad del País Vasco y Teoría del Arte Contemporáneo en Goldsmiths University College London. Ha impartido Crítica y Estudios Contextuales en la Facultad de Arquitectura de London Metropolitan University y ha expuesto en Madrid, Osaka y Francia.

Residencia: The Moving Idea

Web: www.anamartinezfernandez.net / @a_m_a_r_t_i_n_e_z

Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Granada, Santiago Ydáñez ha impartido talleres junto a artistas como Juan Genovés y Mitsuo Miura, entre otros. Ha recibido importantes distinciones y es uno de los pintores españoles con mayor reconocimiento internacional. Ha sido beneficiario de becas del Colegio de España en París del Ministerio de Cultura (2001), de la Fundación Marcelino Botín (1998), de la Academia de España en Roma (2016) y del 33º Premio BMW de Pintura (2018). 

Ha expuesto en el CAC (Málaga), Villa di Livia (Roma), Whitebox Art Center (Pekín), Museo Lázaro Galdiano (Madrid), Dillon Gallery (Nueva York), CAAM (Gran Canaria), Invaliden1 (Berlín), Fundación Chirivella Soriano (Valencia), Künstlerhaus Bethanien (Berlín), Antigua Iglesia de la Compañía de Jesús (Caravaca de la Cruz, Murcia), Gallery SE (Bergen, Noruega), Goethe Institut e Instituto Cervantes (Estocolmo), Fundación Canaria para el Desarrollo de la Pintura (Las Palmas de Gran Canaria) y GE Galería (Monterrey, México), entre otros.

Su obra forma parte de las colecciones de la Fundación Botín (Santander), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), DKV, CAC (Málaga), Museo Sofía Ímber (Venezuela), Diputación de Jaén, ABC (Madrid) y CGAC (Santiago de Compostela).

Residencia: The Moving Idea

Web: www.santiagoydanez.com / @ydanezydanezydanez

Fati Morri es el nombre artístico de Fátima Moreno, artista gráfica e ilustradora nacida en Granada y con estrechos vínculos con Barcelona y Lisboa.

Se impregnó del arte desde una edad temprana, ya que su madre era pintora. Estudió grabado en la Escuela de Arte de Granada y posteriormente completó un Máster en diseño gráfico contemporáneo en Galicia, lo que la llevó a trabajar durante varios años en publicidad antes de dejarlo para dedicarse por completo a la ilustración.

Como ilustradora ha trabajado para clientes como la editorial Alpha Decay, el periódico El Mundo, el festival BAM y El Segell del Primavera Sound, entre otros.

Residencia: The Moving Idea

Web: @fatimorri

Sabelo Mlangeni es un fotógrafo sudafricano nacido en 1980 en Driefontein, cerca de Wakkerstroom, en Mpumalanga. En 2001 se trasladó a Johannesburgo, donde se incorporó al Photo Workshop Market, graduándose en 2004.

Su sensibilidad y su capacidad para provocar emoción a través de sus imágenes le han otorgado un lugar destacado en el mundo de la fotografía. Ha realizado exposiciones individuales en distintas partes de Sudáfrica, Estados Unidos, Nueva Zelanda, Reino Unido y Angola, así como exposiciones colectivas en Alemania, Nigeria, Mali, Francia, Portugal, Holanda y México, en las que ha abordado temas tan diversos como el apartheid, la invisibilidad de las mujeres y la sexualidad.

Residencia: The Moving Idea

Web: @mlangenisabelo

Nihat Karatasli (1988–2021) fue un artista interdisciplinar cuyos vídeos, animaciones, esculturas, performances e instalaciones exploraban las interconexiones entre los seres humanos, la naturaleza y la tecnología.

Docente, columnista y profesor, Karatasli fue también cofundador del Archivo Hüzün, con el apoyo de la Universidad Koç (Estambul). Su obra formó parte de exposiciones colectivas en Estambul, Seúl y Los Ángeles, y era titulado de un MFA por la School of the Art Institute of Chicago.

Participó en varios festivales de cine, entre ellos el 7º Mammoth Lakes Film Festival en California, Soy Meta en Shanghái, el 37º Kasseler Film Festival y Stand Firm, Stand Here en Ohklahomo, Chicago.

Martine Feipel & Jean Bechameil construyen y deconstruyen espacios. Su amplia formación y experiencia les otorgan un dominio absoluto del volumen, con el que recrean un universo que, a primera vista, parece completamente ilógico.

Martine Feipel estudió artes visuales en la Universidad Marc Bloch de Estrasburgo, en la Universidad de las Artes de Berlín y en Central Saint Martins College of Art & Design de Londres, donde obtuvo un MA en Bellas Artes. Jean Bechameil trabaja desde 1990 como escultor independiente, realizando numerosos decorados para obras de teatro y películas de Lars von Trier, entre ellas Antichrist, Manderlay y Dogville.

Con base en Luxemburgo, la pareja colabora conjuntamente desde 2008.

Residencia: Embarking; The Moving Idea

Web: www.feipel-bechameil.com/ @feipelbechameil

Sofia Eliza Bouratsis siente una profunda pasión por el mundo del arte contemporáneo, en el que se ha involucrado a través de la investigación, la escritura y la curaduría. Uno de los temas de investigación al que vuelve con frecuencia es la dicotomía entre el cuerpo humano y el no humano; también se interesa por las imágenes contemporáneas y las nuevas tecnologías, así como por el discurso en torno al espacio público, urbano y ecológico, especialmente desde una perspectiva arquitectónica.

Su proyecto se inspiró en las conversaciones que mantuvo con los otros artistas participantes en la residencia. Estos intercambios dieron lugar a una serie de postales que presentan preguntas, fusionando texto con una exposición de ideas en movimiento.

Residencia: The Moving Idea

Web: @sofiaelizabou

Ganadora del Premio Gure Artea del Gobierno Vasco en 2013, Ana Laura Aláez es reconocida por su trayectoria artística y su contribución al arte contemporáneo. Junto a su trabajo visual, también ha desarrollado proyectos de diseño de espacios y escritura. Desde el año 2000 —coincidiendo con su proyecto Dance & Disco en Espacio 1 del Museo Reina Sofía— ha colaborado con otros creadores de música electrónica. Cuenta además con una amplia experiencia docente a través de cursos, conferencias y talleres, y vive y trabaja en Palma de Mallorca.

Residencia: The Moving Idea; Preludio

Web: www.analauraalaez.com / @analauraalaez

Mariano Torres es un músico y compositor que trabaja entre Mallorca e Ibiza, conocido por su profunda conexión con el paisaje sonoro de las Islas Pitiusas y por su estrecha colaboración con la comunidad artística local. Su trabajo se caracteriza por una sensibilidad íntima hacia la memoria, el territorio y la experimentación musical, cualidades que atraviesan tanto sus composiciones como su proceso creativo.

Durante su residencia, Torres continuó desarrollando un enfoque basado en la escucha atenta y en la cuidadosa construcción de atmósferas sonoras. Su práctica fue presentada en la serie documental Aiguallums, producida por Filmòtica, con un episodio completo dedicado a su manera de concebir y componer obras como Introducció. El retrato revela a un creador minucioso que reúne instrumentos acústicos, texturas ambientales y un método casi artesanal de construcción del sonido.

Torres colabora con frecuencia con artistas de las islas —incluido su hermano Toni— y participa activamente en proyectos que amplifican el arte contemporáneo y los procesos creativos en Ibiza y Formentera. Su presencia constante en el panorama cultural local lo ha consolidado como una figura clave dentro del tejido artístico de las islas.

Residencia: Abril – Junio 2025

Beatrice Dettori (Italia, 1976) es una diseñadora y artista afincada en Eivissa. Se graduó en Product Design en el Chelsea College of Art and Design y, tras trabajar en el estudio de Jasper Morrison, pasó varios años en París desarrollando escenografías culinarias para artistas, galerías e instituciones como Pierre Soulages, Larry Clark, Pierrette Bloch y Anish Kapoor. Desde 2018, ha retomado su práctica artística a través de objetos cotidianos, narrativas y escultura en arcilla.

Durante su residencia, Dettori continuó explorando el potencial físico e introspectivo de la transformación material, creando obras que generan tensiones sutiles entre materias comunes y recicladas y elementos preciosos o simbólicamente cargados. Su práctica invita a una atención cercana y a una implicación sensorial, activando contrastes silenciosos que se despliegan a través del tacto, el peso y la presencia.

Residencia: June – July 2025 

Web: @beatricedettori